| | (Petite soprano rusée) La bande son est une maquette musicale (donc avec instruments et voix factices pour le moment) réalisée par le compositeur Gilles Tinayre, dans le cadre d'un ciné-spectacle inédit qui sera programmé en France et à l'étranger à partir de 2010. Rencontre avec Rosemary Joshua |  |
| Voix fraîche et fruitée, tempérament mutin, minois malicieusement juvénile et regard rieur : la soprano galloise Rosemary Joshua, qui semble réunir en une seule frêle personne toutes les caractéristiques les plus sympathiques de ces rôles d'allumeuses baroques que l'on aime tant à lui attribuer, est de ces artistes que l'on connaît à la fois très bien (impossible de ne l'avoir croisée au détour d'un opéra haendelien) et très mal (le moins que l'on puisse dire est qu'elle est médiatiquement discrète). Profitant de la reprise berlinoise de l'irrésistible fable érotico-délirante de Cavalli, La Calisto, je suis allée à la rencontre de cette experte ès ensorcellements de barytons-basses (et pour cause... son mari en est un) sur la terrasse de son hôtel berlinois. C'est avec une vue imprenable sur le centre en perpétuelle mutation de la capitale allemande que nous avons discouru sur ses personnages fétiches, dont elle-même semble être une parfaite et fascinante fusion : drôle (jusqu'au "nonsense") telle Calisto, rayonnante d'un charme tout sémélien et d'un enthousiasme proprement cléopatresque, prolixe telle une Poppée remontée au Martini dans un clavecin-bar enfumé - mais également touchante et réfléchie à l'image d'Iphis, qu'elle vient d'incarner à Innsbruck. | ||
| Pourriez-vous, pour commencer, présenter le personnage de Calisto ? Haha ! Difficile... C'est le type même de la nymphette - j'en ai un certain nombre à mon répertoire, d'ailleurs - ; le scénario est ici assez proche de celui de Semele, avec Jupiter qui séduit une de ces petites nymphettes, l'emmène faire un petit tour là-haut, lui donnant au passage un avant-goût de l'éternité... C'est bien sûr une pièce totalement différente, mais c'est toujours le même bon vieux scénario - à ceci près qu'il ne détruit pas complètement Calisto, il a un peu plus de sympathie pour elle ; transformée en ourse, elle doit errer sur la terre un certain temps avant de finalement être transformée en constellation et ainsi atteindre l'éternité... C'est un personnage difficile, car au départ c'est une jeune fille innocente, très naïve, selon toute évidence incroyablement sensuelle - ce qui ressort également de la façon dont le texte est écrit, avec ce vocabulaire extrêmement sensuel, voire "sexuel"... Mais elle croit vouloir rester éternellement vierge, suivre et adorer Diane... jusqu'à ce qu'elle soit séduite par Jupiter - là où cela devient drôle, c'est que, visiblement, elle n'est pas au courant de ce dernier détail- et alors, elle se développe énormément. Mais je ne dirais pas, par exemple, que c'est un personnage qui se développe particulièrement sur le plan émotionnel - il s'agit plutôt d'un personnage qui découvre sa sexualité. Elle se développe sexuellement, du prototype qu'elle est au départ, de la jeune et innocente vierge, à cette expérience incroyable, au cours de laquelle elle ne comprend pas du tout ce qui lui arrive - elle pense avoir été avec Diane et, à l'évidence, ce n'était pas le cas, pas du tout, même ! [rires] Et la fin est finalement assez ambiguë, on reste dans le doute... Enfin, vous pouvez croire ce que vous voulez... Pour ma part je pense qu'elle a eu cette relation totalement épanouie avec Jupiter... Mais à la fin de la pièce, elle est plus éclairée, sexuellement, et je pense que le résultat en est qu'elle est également plus consciente de la vie en général, mais ce n'est pas un personnage qui se développe beaucoup - à l'opposé d'autres, comme Sémélé, qui effectue un incroyable parcours émotionnel ; Calisto est un personnage plus abstrait, je pense. C'est un symbole. Et le texte est si important. C'est un élément qui se développe plus que tout le reste. Mais ce disant, je parle en même temps de la présente production... Et, là aussi, c'est une production très abstraite - elle a été créée il y a dix ans, et elle est incroyable. En ce sens, à présent, elle n'a absolument pas vieilli ! Elle est toujours aussi fraîche et contemporaine maintenant, qu'elle a dû l'être à l'époque. Et je pense que cela est dû en grande partie au fait qu'on n'y interprète pas le texte. Ce que nous faisons sur scène n'est pas une réflexion de ce que le texte dit - ce qui rend difficile de se rappeler le texte, car tout en parlant d'une chose vous en faites une autre ; mais le résultat est que cela ne date pas, car ce n'est pas l'interprétation par quelqu'un du texte, c'est l'interprétation générale de la production par quelqu'un que vous voyez... C'est à mon avis très intelligent, c'est la raison pour laquelle c'est si frais et cela marche si bien, même maintenant ; et je pense que cela marchera encore pour des années. Mais, en ce qui concerne le développement des personnages, cela dépend vraiment beaucoup du type de production sur lequel vous vous trouvez - par exemple, j'ai fait ici-même une production de Semele qui était dans le même genre, le "style allemand", d'une certaine manière, et là encore, dans cette production (c'était la production des Herrmann), le personnage de Sémélé ne se développait pas particulièrement ... Pour en revenir à Calisto, si je ne devais que regarder la pièce, la tête froide, et lire son texte, la considérer comme un être humain, j'aurais sur elle un regard radicalement différent de ce que j'incarne dans cette production. Je pense, personnellement, qu'elle en sait bien plus au début de l'opéra que ce que nous dépeignons ici. Il s'agit d'une jeune fille sur le point de l'éveil ; et son utilisation du langage, très directe, est incroyablement sensuelle ; elle est comme une plaie ouverte, dans un sens... Elle chante presque immédiatement "Verginella io morir' vò", "Je veux mourir jeune vierge, je vivrai et mourrai vierge !", et je n'y crois pas une seule minute - ceci est mon avis personnel, même si ce n'est pas le cas dans cette production... Elle chante ça les mains jointes et tout, mais pas un seul instant elle ne le pense réellement ! Il y a, pour moi, beaucoup de sous-entendus à l'endroit de ce texte, de non-dits dans ce langage ; et je pense que c'est, finalement, une personne de moeurs assez légères, d'une certaine façon. Mais c'est un personnage merveilleux - ne serait-ce que parce que le texte est si beau à chanter, si poétique ; c'est un texte époustouflant, mais délicieux, ça roule sur la langue, c'est superbe !  La farouche nymphe des bois dans les bras de sa tendre déesse tutélaire. Enfin, c'est elle qui le dit... Avec Olivier Lallouette, Jupiter (ici déguisé en Diane), dans la Calisto de Pier Francesco Cavalli lors de la reprise de la production d'Herbert Wernicke en 1996. Photo © Théâtre de la Monnaie.
Et vocalement ? Vocalement c'est intéressant, en fait, parce que j'ai l'impression que c'est très grave, et le rôle est vraiment centré au plus bas du registre. En y revenant, j'ai repensé à mes sensations d'il y a sept ans : j'étais alors sept ans plus jeune, je ne me souciais pas de ces détails, j'ai juste pensé "oh, c'est chouette, c'est grave, je n'aurai pas à me lever le matin en m'inquiétant pour mes aigus !", et je me contentais de chanter, comme ça. Mais maintenant que ma voix est beaucoup plus développée, je dois presque trouver un emplacement où je puisse m'installer sans aucun dommage, car à présent j'ai plus de voix de poitrine, je mélange beaucoup plus ma voix - ce n'est plus seulement la jolie et juvénile voix d'autrefois, cela descend, et je dois donc trouver un emplacement qui soit sûr, sans avoir à "surpousser". C'est très similaire à Susanna, par exemple ; lorsque vous chantez un rôle comme Susanna, qui est très grave aussi, vous devez trouver un bon médium de façon à pouvoir vous reposer dessus et descendre. Avec ce rôle en particulier, c'est si grave, et vous devez trouver une couleur très riche et presque dire le texte ; et c'est si grave alors qu'il y a énormément de récitatifs - accompagnés, certes, mais vous devez toujours y faire ressortir le texte- , et ensuite vous avez un petit arioso où vous devez vous envoler et redescendre légèrement, sans exagérer. Alors, conserver à la voix cette qualité riche dans le grave tout en étant capable de grimper avec légèreté dans l'aigu, c'est assez exigeant, d'une certaine manière ; mais avec suffisamment de temps de répétition, on y arrive. Le plus important avec ce rôle est la préparation du texte, ainsi que celle des récitatifs ; car ce sont des accompagnati, qui sont donc pulsés, et vous n'y avez pas la liberté que vous auriez dans le recitativo secco mozartien, par exemple. Vous devez constamment garder la pulsation en tête, tout en trouvant un moyen, à l'intérieur de cette pulsation, d'exprimer ce que vous voulez ; et c'est un défi, c'est le défi de ce rôle, car cela peut si facilement devenir ennuyeux si vous vous bornez à chanter du récitatif à 4/4... Et l'essentiel est donc, je pense, de trouver la couleur, de trouver toutes sortes de nuances... Mais vocalement ce n'est pas un "killer", ce n'est pas un rôle au sujet duquel je me réveille en me disant "oh gosh ! il faut que je chante ÇA ?!". Avec des rôles plus exigeants, comme Sémélé, vous êtes vraiment à la merci de votre voix, alors que je me sens plus, bien plus de marge de manoeuvre avec Calisto. Et, de fait, la bière allemande n'est en général pas très recommandée [rires], parce qu'elle a tendance à relâcher la voix - et en temps normal je n'y toucherais pas durant pendant les représentations - ; mais cette fois-ci, je me suis dit "hm, ça ne serait pas une mauvaise chose"... Vous savez, je me retrouve toujours en face des barytons avec devant eux une bonne vieille bière après les représentations, et c'est un bon truc que j'ai appris ici, c'est très bon pour la voix ! [rires]
Avez-vous eu l'occasion de travailler directement avec Wernicke sur cette production ? Malheureusement non... Il avait fait la première série de représentations, et par la suite, quand le spectacle a été repris à la Monnaie et ici à Berlin, ils ont dû engager une double distribution, en raison du nombre et de la fréquence des représentations à dates consécutives - et c'est ainsi que j'ai été engagée dans la deuxième distribution, qui était pleine de jeunes sortant tout droit du jardin d'enfants ! [rires]. Nous avons donc répété sous la houlette de l'assistante de Wernicke - parce qu'évidemment il était occupé avec la première distribution- ; et je n'ai pas eu une seule occasion de le rencontrer ou de travailler avec lui - ce qui est tellement dommage, car je me souviens, pendant tout ce temps, avoir observé la production, avoir observé l'autre distribution, et c'était tellement fantastique ! J'étais tellement enthousiasmée par la production, mais je ne saisissais pas, en tant que personnage, le concept, parce que par de nombreux aspects, ce n'est pas un concept, et on pourrait même dire qu'il n'y a pas de concept. Ce spectacle a été élaboré par des individus ayant une certaine personnalité à apporter, et Wernicke l'a développé à partir de là. Dans un sens, la transposition, le décor, sont le concept, et à l'intérieur de cela vous avez ces personnages qui expérimentent beaucoup et font leur cuisine ; chacun a une drôle de façon de marcher... Et de trouver l'origine, le point de départ de ces idées, était très difficile - même pour l'assistante à la mise en scène, d'ailleurs ; elle avait tous les mouvements notés dans son carnet, mais pas le parcours émotionnel de chaque personnage, pourquoi il faisait ceci ou cela... C'était comme être une pièce d'un puzzle, mais ne pas trouver le moyen de s'y emboîter... Nous avions un temps de répétition très, très limité, et en fin de compte tout ce qu'il nous restait à faire était de copier énormément ce que faisait l'autre distribution, mais sans réellement le comprendre. Et cela marchait parce que c'est une superbe production... Mais cette fois-ci, nous avons eu un peu plus de temps ; et selon toute évidence nous avons tous sept ans de plus et sommes plus mûrs, ayant plus d'expérience sous notre ceinture, et nous trouvons un moyen de nous approprier ces personnages et de faire marcher le tout pour nous-mêmes. J'espère que c'est ce que Wernicke aurait voulu - quelle tragédie [que sa disparition prématurée] ! Nous espérions tous qu'il viendrait quelques jours répéter avec nous cette fois-ci, juste le temps des scéniques ; et moi en particulier, j'espérais tellement le rencontrer et pouvoir triturer un peu son cerveau, car c'est à l'évidence une personne géniale. C'est tout simplement tragique de perdre quelqu'un de cette envergure, de perdre un tel talent et un tel tempérament artistiques... Mais, vous savez, c'est étrange - à la deuxième représentation, nous avons eu un de ces moments vraiment spéciaux qui n'arrivent qu'au théâtre : à la fin du spectacle, lors de la dernière ritournelle orchestrale, il y a cet ours, qui est en fait un morceau du plancher, qui se détache et traverse [la scène pour aller s'encastrer en haut, dans le mur du fond] ; et c'est un trajet qui doit être fait dans un laps de temps très précis, il suffit d'un rien - quelques secondes, dans un sens ou dans l'autre, si les techniciens sont absents un instant, ou si l'orchestre décide de jouer un peu plus vite ou plus lentement un soir...- pour que cela soit raté. Et c'était si parfait l'autre soir ! Ça vous donne alors des frissons le long de l'épine dorsale, et l'on ne pouvait s'empêcher de se demander s'il était présent de quelque manière que ce soit... Parce que la nouvelle avait été un tel choc, et évidemment nous en parlions tous entre nous, en se disant à quel point c'était tragique... et soudain ceci est arrivé, et il y a eu un silence de plomb, un très long silence dans le public - et lorsque cela se produit après une représentation, vous savez tout de suite qu'elle a eu un certain impact, que le public l'a, à l'évidence, appréciée, et qu'il est encore un peu sonné, ce silence est alors tellement plus important que des applaudissements à tout rompre - ...et nous étions tous un peu émerveillés...On pouvait penser que, hé bien, peut-être, vous savez, peut-être son esprit flottait par là... et peut-être avait-il apprécié. Je l'espère.
Comme vous le disiez plus tôt, vous avez déjà endossé ce personnage, il y a six ans - quel a été votre sentiment lorsque vous y êtes revenue pour cette reprise ? Aviez-vous plutôt la sensation d'avoir vécu six ou sept ans avec, ou au contraire l'avez-vous abordé différemment ? Je pense plutôt que je l'ai abordé différemment... La vie, l'expérience, et toutes ces choses qui vous arrivent et jouent un rôle dans votre vie personnelle vous font de toute façon évoluer en tant que chanteur ; plus vous avez vécu, plus vous avez à dire, c'est évident - par exemple, il m'arrive de penser : "ah, si seulement j'avais su il y a dix ans ce que je sais aujourd'hui, si j'avais fait ce rôle à ce moment-là, j'aurais...". Parce que vous percevez tellement plus, suivant différentes perspectives, et vous pensez aussi beaucoup plus... Vous savez, quand vous êtes jeune, vous n'allez pas regarder plus loin qu'à la surface des choses, vous avez tendance à accepter les choses pour leur valeur faciale, vous écoutez les idées des autres, mais vous marchez beaucoup à l'instinct, vous vous débrouillez ; mais plus vous accumulez d'expérience, plus vous pouvez apporter de qualités et de couleurs! Et je crois que cela a beaucoup modifié cette Calisto cette fois... En termes de confiance, à l'évidence, le fait d'avoir la confiance de s'exprimer et d'essayer quelque chose de différent. En termes d'humour, aussi, car je pense que l'humour est également quelque chose qui vient avec le temps ; vous pouvez voir l'humour derrière les choses, et ne pas être effrayé de jouer un peu là-dessus... Et je pense que Calisto est une pièce où l'on a réellement besoin, non pas de jouer directement l'humour, mais d'être capable de le voir à distance, de le sentir, de manière à ce que cela fonctionne, car il y a énormément d'humour impliqué - ne serait-ce que dans le personnage de Jupiter... et la relation qui se développe ici est incroyablement drôle ! Mais je pense, oui, que c'est bien plus étoffé que ce ne l'était il y a six ans ; à l'époque je faisais ce que l'on me disait de faire, vous savez, j'étais la jeune-professionnelle-qui-veut-faire-plaisir-à-tout-le-monde - et-veut-toujours-être-au-bon-emplacement-au-bon-moment - parce-que-c'est-là-que-tombe-la-lumière... Mais à présent je ne me soucie plus de faire plaisir aux gens - bien sûr, vous voulez toujours être aimé, mais vous commencez à croire en ce que vous faites et vous vous dites : "voilà ce que je fais, ce que je veux exprimer, certains vont l'aimer, certains ne vont pas l'aimer, il n'y a rien que je puisse y faire, mais je me dois d'être intègre, et donc je mets ma conception sur le tapis". Et il ne peut en être autrement car, quel que soit le personnage, il y a toujours une part de vous-même. Bien sûr, vous chaussez les souliers de cette personne, vous pensez à sa vie, sa situation, tout ce qui tourne autour et vous pouvez en dresser un portrait, mais en définitive, vous devez toujours vous peindre vous-même, vous vivez des expériences similaires dans votre vie, et elles affectent votre interprétation... Et, par ailleurs, je suis quasiment certaine que si vous interrogez l'assistante à la mise en scène maintenant, elle vous dira qu 'il est beaucoup plus facile de travailler avec moi aujourd'hui qu'il y a six ans... Parce qu'à l'époque j'étais beaucoup plus sur la défensive, étant soucieuse de tout faire impeccablement, alors que maintenant, peu importe si c'est juste ou non, tout ce que je veux, c'est exprimer quelque chose et le communiquer d'une manière différente. Et je crois que c'est ainsi bien plus intéressant pour tout le monde, vraiment.
Qu'est-ce que cela fait d'être constamment harcelée par Jupiter ou d'autres héros mythiques ? [rires] Parce que vous avez incarné Sémélé, Poppée dans Agrippina, Angelica dans Orlando, et maintenant Calisto... Quel est votre relation à ces rôles ? Je pense qu'ils m'ont tous été bons, je dois dire... Sémélé, par exemple, a été un rôle incroyable... C'est comme une vieille amie, à présent, car je l'ai jouée dans tellement de situations différentes, différentes productions, avec différents chefs...
Je crois que vous l'avez chantée avec quasiment tous les chefs baroques possibles et imaginables, non ? Oh oui, tous ! Et c'est un de ces rôles qui vous donnent l'impression d'enfiler un gant, vous savez - bien qu'au premier coup d'oeil sur la partition on se dise "OH MY GOD ! ÇA c'est un rôle difficile !", parce qu'au fil de la soirée les difficultés ne font qu'augmenter. Mais c'était tout simplement quelque chose qui est venu au bon moment, et mon développement scénique était alors parfait pour ce type de personnalité que je peux incarner facilement. Et, en même temps, c'était tout simplement génial, c'était un merveilleux vecteur pour moi aussi - pour me montrer. Parce que, franchement, c'est un vrai rôle-spectacle ["a real showy part"] - à l'inverse de Calisto, qui n'est pas du tout un rôle spectaculaire, c'est un rôle bien plus introspectif, et dans lequel vous devez plonger en vous-même, afin d'apporter quelque chose ; alors que Sémélé est vraiment [elle tape du pied par terre et prend une pose façon musical, les bras tendus vers le public, secouant les mains et offrant un sourire Ultrabright] "stand and deliveeeeer!" [littéralement: "tiens-toi là et brille"], et tout brille, et vous agitez les mains sous les néons [rires] - c'est un rôle très "hey, Broadway musical, baby!"... Je crois que j'en suis sortie à présent ; vocalement parlant, je suis très, très, très triste de ne pas l'avoir enregistrée - il y a eu quelques occasions qui ne se sont pas concrétisées, et c'est tellement dommage! Car j'ai le sentiment, même maintenant, d'avoir encore beaucoup à mettre sur le tapis avec un rôle comme celui-là, c'est un type de rôle spécifique, et même s'il y a énormément de sopranos fantastiques en activité, il est très difficile à bien distribuer - ça passe ou ça casse. Et je suis triste de ne pas l'avoir enregistré - bien sûr, on ne sait jamais, mais...
Croisons les doigts ! Oui ! Mais, d'une certaine manière, je suis un peu lassée de ce type de rôle : en ce qui concerne le personnage, elle est relativement unidimensionnelle et je pense, en tant que femme en évolution, ayant eu des enfants, et ayant traversé toutes sortes d'expériences, que je commence à m'en lasser... Même si c'est un rôle merveilleux, que j'adore jouer, et dans lequel on adore me distribuer - principalement en raison de mon physique, d'ailleurs ! Parce que je suis petite, je suis menue, je peux faire tout un tas de choses qu'on attend de ce personnage... Mais en fait, je commence à m'intéresser beaucoup plus à mon versant sérieux, j'aimerais beaucoup faire des rôles plus réflexifs, des rôles émouvants... Or, il est très difficile d'amener les gens à changer leur point de vue sur vous ! Vous savez, quand vous êtes vue d'une certaine manière, les gens ne sont pas prêts à vous voir autrement ! Prenons Sémélé : elle n'est pas très différente de moi, ce n'est pas quelque chose que j'ai besoin de jouer, vous savez, c'est juste [elle reprend son attitude musical] ma façon d'être, à moi [rires], ces rôles sont tout simplement moi, je suis vraiment comme ça ! Mais en fait, il y a également en moi un versant plus sombre qui devient incroyablement puissant quand je me mets à l'exprimer, parce que c'est une chose à laquelle je dois vraiment, vraiment réfléchir, et que je dois vraiment sentir, ce n'est pas quelque chose que je peux faire comme ça, paf, en me levant - je dois faire ma propre recherche, et c'est, je crois, incroyablement gratifiant pour moi... Une anecdote : nous avons fait il y a peu avec René [Jacobs] une série de Jephtha - une pièce incroyable- , et je chantais Iphis, un rôle merveilleux, bouleversant ; nous l'avons fait en tournée - une tournée qui s'est achevée à New York, au Lincoln Center, le dimanche de Pâques. Et c'était tellement émouvant - rendez-vous compte de l'adéquation du sujet au contexte, c'était vraiment palpable... René est venu me voir après et m'a dit "c'était tellement émouvant de t'entendre faire ce genre de choses", parce qu'il me connaît par mes habituels tits and teeth, if you excuse the expression... [(!) contentons-nous de traduire pudiquement par "rôles d'allumeuses"...] Je crois qu'il est temps pour moi de grandir un peu, même dans le monde baroque, et ce avec des rôles plus sérieux... Bien sûr, j'ai fait, par exemple, Cleopatra [dans Giulio Cesare] il y a quelques années, et là encore, endosser ce rôle, gosh ! Dix airs, des arie da capo, renfermant des trésors de musique, une longue soirée pour la soprano, un développement incroyable du personnage - je pense que c'est l'un des chefs-d'oeuvre de Haendel en termes de développement d'un seul et unique personnage et c'est réellement un défi théâtral, en même temps qu'un véritable marathon vocal ! Mais c'est si merveilleusement composé, si merveilleusement structuré... Je pense que même il y a deux ans encore, je l'ai traitée de manière très frivole, c'était ma première Cléopâtre, je me souciais bien plus d'arriver au bout et me frayer un chemin vocalement, plutôt que d'aller vraiment au fond du personnage ; mais je vais la refaire en 2005 à Glyndebourne, et ce sera à nouveau une production de David McVicar - avec qui j'ai fait la fameuse Agrippina ! Je pense que cela risque d'être assez superbe, car il a, à mon avis, un vrai talent pour ces récitatifs sans fin - pour les rendre intéressants. Voilà quelqu'un qui fait vraiment de la recherche, qui connaît la partie de chacun, de la première à la dernière note ; et travailler avec un metteur en scène comme lui, sur un rôle comme celui-là, c'est vraiment une bénédiction ! J'ai vraiment hâte de le faire, de me jeter à corps perdu dans ce personnage, sans me soucier trop de la musique, parce que, vous savez... Euh... J'ai perdu le fil de ma réponse ! Quelle était la question, déjà, à quoi suis-je en train de répondre... ?
Euh... Nous étions en train de parler de ces --- ...de ces personnages, oui ! Mais je pense, vous savez, que pour moi, maintenant, c'est bien plus intéressant de me diriger vers des personnages plus... "héroïques", si vous voulez... Bien sûr, j'ai absolument a-do-ré Agrippina - et, de fait, depuis cette production, on m'a demandé de chanter Agrippina, le personnage même d'Agrippina, quelque part, et je me suis dit "ben... c'est vrai, j'ai réellement envie d'avancer, mais peut-être pas tout à fait de manière si radicale !" [rires] Le tempérament impliqué est totalement différent, c'est autre chose, complètement [que celui requis pour Poppée]... Hm... Et, [passant négligemment la main sur ses tempes or et argent] c'est vrai que j'ai quelques cheveux gris, mais je pense pouvoir... [éclat de rire des deux côtés]... je pense pouvoir laisser cela de côté encore quelque temps ! À ce stade de ma carrière, je pense qu'il est agréable d'avoir un mélange : d'un côté il est agréable de faire des choses que vous pouvez faire dès le lever en étant simplement vous-même, mais de l'autre, également, de relever des défis en tant qu'artiste. C'est une profession difficile, vous savez - plus vous êtes dedans, plus vous avez besoin de justifier vos raisons d'être loin de chez vous ! Et en ce qui me concerne, maintenant, j'ai besoin d'être motivée... Je fais ce métier parce que je ressens le besoin d'extraire de moi quelque chose qui me donne envie d'exprimer quelque chose - vous voyez ce que je veux dire ? Et, au plus vous avancez dans quoi que ce soit que vous faites, au plus vous avez envie d'être étiré, en fait, de voir jusqu'où vous êtes effectivement capable d'aller... Mais, à l'intérieur de cela, je dois faire attention à garder mes possibilités ouvertes dans tout ce milieu baroque, parce qu'à l'évidence, je me suis fait un nom dans ce répertoire, et c'est ce que l'on me demande de faire, c'est vraiment le noyau de mon répertoire. Beaucoup de gens pensent que c'est très limité, mais je sens que c'est là que ma voix parle, c'est là que je peux être sûre d'être toujours en sécurité... Je ne ressens jamais de fatigue après avoir chanté cette musique. Jamais. Même avec une pièce comme Semele ou Giulio Cesare... C'est très bon pour ma voix. Mais ! Je me dois, en tant qu'artiste, de toujours garder un sentier ouvert sur l'extérieur, et, par exemple, j'ai fait une Renarde, il y a quelques mois [à Anvers] et je vais en faire une nouvelle prochainement à Paris, aux Champs-Elysées. Et, d'ailleurs, cette semaine, j'ai été invitée à auditionner à La Scala, parce qu'ils veulent monter leur première Renarde - elle n'a jamais été donnée à Milan auparavant !- ; et donc, au lendemain de deux représentations consécutives de Calisto, j'ai sauté dans un avion, grimpé sur la scène et chanté des bouts de La Renarde, comme ça, en tchèque, dix-huit mois après ma dernière représentation de cet opéra ! ...mais ils ont dit "Yes ! Braviiissssssimaaaaaaaaaa !", et donc comme ça je vais faire mes débuts là-bas, en chantant La Renarde ! Voilà donc un autre rôle qui, d'une certaine manière m'entraîne en avant, et là encore, vous savez, dans ces circonstances - aller auditionner comme cela, après avoir fait deux représentations un peu fatigantes vocalement - , si c'était n'importe quel rôle, un rôle dans lequel vous ne vous sentiriez pas totalement à l'aise, vous ne le feriez pas. Mais là aussi, c'est un rôle dont je me sens très proche, exactement comme Sémélé - cela fait tellement partie de moi, c'est une partie de mon caractère... J'ai envie d'être un renard, j'ai envie de rentrer dans ce genre de choses, qui sont tellement excitantes pour moi, que je ne me soucie plus du chant, parce qu'il est là de toute façon, pour ce rôle en particulier. Je pense donc vraiment que c'est un rôle qui me fait avancer, d'une certaine manière...  Bystrouska dans La Petite Renarde Rusée de Leos Janacek en 2001, dans une production de l'Opéra des Flandres mise en scène par Robert Carsen. Un rôle qui, mine de rien, lui ouvre les portes de la Scala. Photo © Annemie Augustijns, Vlaamse Opera Mais je fais également du Mozart, et Sophie dans Rosenkavalier, la Juliette de Gounod...J'aimerais faire plus de Bellini, finalement, mais j'y pensais l'autre jour : la carrière est quelque chose de tellement précaire, soit vous réussissez, soit vous vous plantez horriblement, et je pense que le plus important, c'est la longévité, d'être sur pied aussi longtemps que vous le pouvez, à rester en bonne santé vocale, et à toujours donner le meilleur de vous-même. Et, à l'évidence, c'est une question de choix, réfléchi, en matière de répertoire, mais il s'agit aussi de faire les bonnes choses juste au bon moment. La chance y est à mon avis un facteur très important et, apparemment, jusqu'à présent, je n'ai pas accepté de rôles avant d'être prête.
Puisque nous en sommes à parler de rôles plus "sérieux" - diriez-vous par exemple que Ginevra fait partie de ce voyage ? Oooh, je mourais d'envie d'endosser ce rôle, je dois dire ! Je pense que cela a été, jusqu'à présent, l'une des plus belles expériences scéniques que j'aie eues. Elle m'a causé pas mal de sueurs froides, car c'est le genre de personnage avec lequel vous passez votre premier air submergée par les joies du printemps, vous êtes follement amoureuse et tout baigne - et soudain, clac, pour le restant de la soirée, vous souffrez. Et il n'y a aucun doute : vous ne pouvez pas jouer ces choses-là - vous pouvez toujours sourire et vous réjouir, mais vous ne pouvez pas faire semblant de souffrir, c'est quelque chose que vous devez ressentir, de manière à colorer votre voix, à réellement exprimer quelque chose et à passer l'orchestre pour atteindre votre auditoire... et au bout du compte, à l'évidence, les personnes les plus importantes, ce sont les auditeurs, ce sont eux qui doivent être émus. Et en même temps vous devez toujours garder une distanciation et ne pas vous laisser emporter, vous perdre...  Ginevra, un personnage aux affetti extrêmes... Dans Ariodante à l'Opéra de San Diego en 2002 Photo © 2002 San Diego Opera J'ai eu tellement de migraines sur ce rôle, parce qu'il est si intense, son parcours est tellement incroyable - et c'est un parcours piégé. Car, à la fin, elle est jetée en prison, elle va sans doute être brûlée vive - à l'époque c'était le sort réservé aux femmes adultères...- , et elle, totalement innocente, souffre tout cela. Mais soudain Ariodante, qu'elle croyait mort, apparaît et lui dit "ma chère, vous êtes libre, vous êtes blanchie, nous avons découvert le complot de Polinesso". Et en l'espace d'à peine une minute vous devez vous métamorphoser pour passer de cette prostration de martyre à chanter "tatatitatatitatatiiiii, tata tatatitatatitatataaaaaa" [note : il s'agit de la première phrase du duetto "Bramo aver mille vite", à l'acte III] ! Et je trouve cela vraiment difficile ; c'est presque impossible, en tant qu'actrice, de le faire marcher - vous devez littéralement sauter de l'un à l'autre, et laisser tout ce fardeau de souffrance derrière vous...  ...heureusement, tout est bien qui finit bien. Tatatitatatitatatiiiii... Avec Vivica Genaux (Ariodante) Photo © 2002 San Diego Opera Mais c'est un rôle tellement magnifique ! Encore un dont j'ai le même sentiment - il n'y a pas une seule note dans laquelle je ne me sois sentie confortable. Et j'ai senti que prendre un rôle comme celui là m'éloignait encore un peu plus de Sémélé, dans un sens. Car c'est incroyablement spectaculaire vocalement, Ginevra, parce qu'il y a tant à faire techniquement - vous devez avoir le legato long, vous devez avoir la bravura, vous avez du très mélodramatique, du dramatique... vous avez tout dans ce seul et même rôle. Ah, je l'adore ! J'aimerais le refaire et souvent, parce que j'ai adoré ce personnage, cette musique, c'est l'une des choses les plus émouvantes que j'ai jamais eues à faire, finalement. Oui, je veux le refaire. Souvent ! C'est génial...
...vous voulez dire, avec William Christie ? Oui ! C'est encore quelque chose que j'aimerais faire. Parce qu'il n'y a aucun doute que je dois m'accrocher à Haendel aussi, c'est une musique avec laquelle je me sens de réelles affinités. Et lorsque l'on trouve cela, pourquoi aller à l'encontre ? Les gens disent "oooh, vous ne pouvez pas faire ça" - pourquoi ?! Il y a déjà tant de chanteurs qui chantent très bien tout le répertoire italien, je dois dès lors me trouver une niche, dans un sens, je dois trouver ma voie, et tant que ma voix sera fraîche je continuerai dans ce sens parce que je pense que c'est bon également pour la technique. Vous devez y exploiter tous vos potentiels. Et je pense que cela maintient la voix dans de bonnes conditions.
C'est également intéressant du point de vue dramatique. Parce que les personnages sont si riches et il y a tant à faire avec... Oui, c'est absolument incroyable. Le défi avec ça, c'est tout ce concept de l'aria da capo, où vous avez vos récitatifs qui relient vos airs, puis vous passez la section A de l'aria à faire une déclaration, vous employez la section B à réfléchir sur ce que vous avez dit dans la section A, ce qui peut durer une minute ou deux, puis vous retournez au début et réaffirmez le tout ! C'est un incroyable défi, pour un artiste - et ça vire parfois au cauchemar pour les metteurs en scène ! Parce que vous avez un fragment de texte, que vous répétez encore et encore, et vous devez trouver à chaque fois une nouvelle signification ou un nouvel éclairage, ou un nouveau que sais-je encore ! Et, franchement, j'ai vu des fois où c'était assez mal goupillé. Les opéras de Haendel peuvent devenir assez ennuyeux si c'est mal fait, mal joué. Car c'est si répétitif ! Mais avec un metteur en scène imaginatif, et des chanteurs qui ont vraiment la volonté de faire un effort, c'est une forme d'art tellement excitante, le da capo ! C'est à mes yeux un véritable test, ces longues arie, où l'on vous laisse parfois, sur scène, avec pas grand-chose à faire. Parce que la musique parle pour elle-même, et vous devez alors trouver le moyen de faire en sorte que cinq minutes passent en quelques secondes ! Par l'intensité et... juste les couleurs, et la profondeur, l'intérêt, vous devez tenir votre auditoire pendant ces cinq minutes avec le même vieux texte ! Mais en lui redonnant un sens à chaque fois. Et c'est vraiment dur, ça ! C'est très dur... Je sais qu'il y a une grande "mode" de couper pas mal dans les opéras de Haendel. Prenez Agrippina : c'est une pièce très, très longue. Avec tellement de récitatifs... Mais René, par exemple, lorsqu'on l'a faite ensemble, au lieu de couper, il en a ajouté ! [rires] Il ajoutait sans cesse, il arrivait et disait : "Aïe found é fantasstick arrria ! In Milàn ! It's grrrréït ! It's wouize di harpsikorrrrd !" ["J'ai trrrouvé une arrria fanntaaasstique ! à Milàn ! C'est superrrbe ! Avec unn solo de clavecin !"] - et ma première réaction fut "QUOI ?!" J'avais déjà fait une autre production de cet opéra en Allemagne, qui avait duré moitié moins que celle-là... Et lui, il nous a trouvé deux arias supplémentaires, plus ce duo entre Poppée et Othon, et je me suis dit : "Blyme ! Ça, ça va être une longue soirée ! Les gens vont apporter leur panier-repas avec eux !" [rires] Et il n'a pas coupé beaucoup de récitatifs, parce qu'ils sont si merveilleux, si vitaux, c'est très difficile de trouver matière à couper dans une pièce comme celle-ci. Et vous savez, lorsque vous êtes en face de quelqu'un qui croit, comme ça, si fort en quelque chose - il croit réellement enchaque note - , en tant qu'artiste, vous accrochez totalement ; et je crois que pour le public, il est également difficile de décrocher, parce qu'il est si convaincu par ce qu'il fait. Et d'avoir un metteur en scène qui était aussi challenged, aussi stimulé par la pièce - c'était, je crois, de très loin l'une des choses vraiment les plus incroyables dans lesquelles j'ai été impliquée jusqu'à présent. Si clever, si contemporain, si excitant, visuellement magnifique - et chaque personnage avait quelque chose à dire. Ce n'était le schéma habituel avec d'un côté les personnages principaux et de l'autre les petits rôles gravitant autour - c'était un spectacle dont chacun des participants était artisan du succès.
Jusqu'au personnage de Lesbo ! Oh oui, absolument, c'était fantastique ! Et le temps passé sur chacun était très important - Lesbo, par exemple, s'est vu accorder la même importance que tous les autres, et on a répété ses petites interventions jusqu'à ce que [Lynton Black] trouve le bon rythme, la bonne motivation, ou que sais-je encore - gosh ! C'est un tel luxe de pouvoir répéter ce genre de pièce cinq se |
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